Niram Art Magazine
founded by Romeo Niram
NIRAM ART NUMERO 10
NIRAM ART NÚMERO 10
DEDICADO A OSCAR WILDE
RAZVAN MAZILU
BOGDAN ATER
OSCAR WILDE
CASPAR DAVID FRIEDRICH
TERESA MENDONÇA
PORFIRIO ALVES PIRES
ANTÓNIO DULCÍDIO
CRISTINA OPREA
THE DIVINE EUCHARIST OF ART
I have been trying for weeks to write this chronicle about the show “Dorian Gray” and have always failed, without knowing why. I couldn’t seem to find any suitable words. In front of true art, just as in front of true love, one should remain silent.
The same friend passionately believes that there can be no art without love. One can be a dancer, a painter, a writer, but without a true emotion inside one’s chest, without that burning fire, one can never be an artist. That is why there are so few artists in the world. There are many writers, dancers, painters, sculptors, but how many, among all of them, are artists? An artist is a creator. This is the most accurate definition. How can someone create something without a genuine feeling of love?
It is easy to recognise a man in love just as it is easy to know when you are in front of a true artist. You feel it. Without any reasons, without any explanations, you simply know you are in the presence of something divine, as art is, after all, together with love, the quickest way in which a Man becomes a God.
Photography by Mihaela Marin
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We, the audience, experience side by side with him, the painful birth, the joys and sorrows of life, the excruciating death and the luminous resurrection of ART itself. With each new show, he re-invents ART. Is it dance? Is it theatre? Is it painting? Ballet? All words are poor. Language has been kneeled down. Words have become useless. A new language has been born, the language of motion and emotion, of colour and music. It is not a dance; it is life itself, the dance of the creation of mankind. Deep in your heart you feel, you know, that he is an Artist. Love is pouring down through him, out of him, with every drop of sweat, and I wouldn’t be surprised if his sweat, at the end of the show, were blood, not water.
The transfiguration of Man into the Divine. This is what attracts us to art, what leaves us bewildered and what seeds turmoil in our hearts. I could go on saying how beautifully this man dances, how versatile he is, how perfect his moves are. This all has been said before.
I don’t go to see Razvan Mazilu’s shows to see a dancer, not even to see the greatest dancer. I don’t go there to see a theatre – dance, a fantastic never-before-seen choreographic show. I go there to experience the transfiguration of the Human into the Divine. I see a Man, walking barefoot on an empty stage, just as walking onto an altar. He is both the priest and the sacrificed. Each move makes him sweat blood. Each move elevates him. He twirls, he falls down, he rises.
The more he moves, the more he glows, as it is the very move that nourishes him just as the living water in our fairytales refreshed the power of the beautiful princes who struggled with the dark forces. He, too, struggles. He puts up a fierce fight against his own humanity. He rips his flesh out while we hold our breath, throwing away his sweaty, bloody, exhausted Human skin. The sacrifice is complete, the dance is over. The music stops. The figure who stands up in the midst of the howling ovations and the frenetic clapping audience is not a man anymore. He has gone to the other side as a Man and as a Dancer and has come back a God and an Artist.
The divine Eucharist of Art makes us all whole again, and puts a bit of hope in our souls. He has broken his body and gives it back to us in thousands of energetic particles. He has been through the torture of the artistic transformation and has crucified himself on its axes, dying on stage for all of us. Behold, he has risen in front of our eyes so that we may not lose the path. The path of true emotion, of art and love.
If you ask me about the dance of Razvan Mazilu, I can only remain quiet, with a tear trying to escape at the corner of my eye. All the rest is, as the Ecclesiastes said, הבל הבלים “vanity of vanities”. Among all the mist and the vapour, the portrait of the true artist will never perish.
Eva Defeses : Although many critics have particularly underlined the perfect union between dance and theatre in the show Dorian Gray, if we take as a starting point the words of the director Dragos Galgotiu, who mentioned in an interview the connection between the world created by the fusion of these two art forms with the “visions of Caspar David Friedrich, the painter of philosophers”, we cannot help but noticing a way of construction similar to the act of painting. It is more than a simple logical deduction generated by the title of Oscar Wilde’s novel, your dancing moves on stage appear, when taken one by one, drawing studies, put together by rhythm. Did painting play a part when you created the choreography for the show based upon the novel ”The Picture of Dorian Gray”, at the Odeon Theatre in Bucharest?
Razvan Mazilu: It is a very interesting question. I would like to say that painting is another passion of mine; maybe if I had not embraced the dancing, I would have painted. In a show like Dorian Gray, the pictorial side plays an important part, because it materializes on stage the epoch evoked by Oscar Wilde’s novel, as defined by the obsession for beauty, by the superiority of art over life itself. From this point of view, it was of utmost importance that all the elements of this show – from scenography and costumes to the harmony and gracefulness of the moves – should have a common element: an exacerbated aestheticism – taken to the extreme, I would say.
Photography by Egyed Ufo Zoltan
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Eva Defeses: Shows in night clubs (Sell me!), sacred music (Block Bach), Argentine Tango (Un Tango Más), Shakespeare (a one-man dance show, impersonating four major Shakespearean characters in a one-hour performance), etc. are only a few of your projects which at first glance seem contradictory, comprising a great variety of themes and styles. Yet your dancing puts them all together gracefully. What is the style that mostly attracts you?
Razvan Mazilu: At 14 years’ old, I discovered the contemporary dance. I didn’t know anything about it, but I had the revelation of the fact that I would perform contemporary dance and not classical ballet. I have chosen contemporary dance not because I couldn’t face up the demands of the classical ballet as many dancers do today. To me, dancing, as I understand it, is really an existential need, it is the way I express myself best. I like to experiment many genres, from contemporary to cabaret, to theatre-dance. I love the musicals, and I want to direct such shows. So, I would rather define my style as eclectic.
Photography by Mihaela Marin
* Interviul a fost publicat, in limba romana, in revista AGERO.
Photography by Egyed Ufo Zoltan
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Razvan Mazilu was born on the 21st of June
As early as the years of highschool, he became a soloist of the “Contemp” Contemporary Dance Company, first at the National Romanian Opera House, then at the Jewish State Theatre.
Since 1993 he has been the master of his artistic destiny, becoming a free-lancer, and he continued his career in a double hypostasis: that of an interpret and that of a creator.
Razvan Mazilu’s debut in choreography is marked in a spectacular manner by a few prizes obtained at the the national dance festivals: The Special Prize of the the jury for choreographic debut at the “Eurodans” International Festival from Iasi, The First Prize at the “Mihail Jora” National Festival, Bucharest and The Prize for exceptional choreographic debut awarded by the Union of the Composers, Choreographers and Musical Critics of Romania.
In 1994, his debut plays became television productions in the “Transfiguring” recital produced by TVR1, Romania’s main television channel. In 1995, while still being a student, Razvan staged at the National Theatre of Bucharest the first play fully belonging to him: “The Lady of the Camelias” . This production of theatre and dance, considered by the specialized critics a crossroads one, also meant the acquaintance with the actress Maia Morgenstern.
The success of an artist can be defined in terms of their position, or value, in the artworld. This success does not arise in a vacuum, but rather comes about due to an artist’s complex interactions with the other agencies of the artworld, including educational, commercial and public galleries, as well as curators and critics. It is these agencies, and the relationships between them, which work together in constructing a dialogue about an artist’s work to audiences, enabling the artist to articulate their position in the artworld and thus become more successful and well-known.The significance of the relationships between the artist and the other agencies of the artworld can be understood more profoundly by examining the practice of the Australian contemporary artist Jacky Redgate. Redgate, who was born in the United Kingdom in 1955 and migrated to Australia in 1967, is currently one of the most successful artists in the Australian contemporary art scene, and is well-known for her highly-conceptual and distinctively-minimalist work that explores the nature of systems and codes of representation. Redgate’s rising prominence in the artworld is due to a number of interrelated factors, including her relationship with educational and commercial galleries, which functioned as agents for her promotion, her exhibitions in public galleries, which exposed her to progressively-broader audiences and elevated her status as an artist, and the various reviews that her work received from art critics.
(Excerpts from the forthcoming book Revealer of the Fourfold Secret: William Blake’s Theory and Practice of Vision)
By using a significant number of technique invariants, as well as certain patterns of representation, Blake’s pictorial works of art are metamorphosed into a more conservative mode of expression, reminiscent of the repetitive code embedded in the verbal works of art by the linguistic medium. Moreover, in my opinion, it is the technical-representative dimension which ensures the visionary character of Blake’s paintings and engravings; one can scarcely define the artist’s visual means of communication in the absence of the aforementioned twofold aspect.
Dealing with the problematic of Blake’s illuminated manuscripts, Viscomi synthesizes the evolution of Blake’s artistic technique: ‘The first six years of production progressed through a series of three formats: leaves printed on both sides and lightly washed (1789-93), color printing (1794-95), and single-sided printing with borders and richer coloring (c. 1795). After 1795, the format remained the same . . . ’ (60).
La vida del artista, Cristo y la imaginación
Noto yo una relación mucho más íntima e inmediata entre la vida verdadera de Cristo y la vida verdadera del artista, y constituye para mí una inmensa alegría pensar que, mucho antes de que se hubiese adueñado de mis días el dolor, y me amarrase a su carro, yo había escrito, en El alma del hombre, que "el que pretende vivir una existencia semejante a la de Cristo, tiene que ser completa y absolutamente él mismo". Y como ejemplo citaba, no solamente al pastor en su llanura, y al preso en su mazmorra, sino al pintor también, para quien es el mundo una mascarada, y el vate, para quien una canción es.
Me acuerdo haberle dicho una vez a André Gide, un día que estábamos juntos en un café de Paris, que a mí me inspiraba muy poco interés la metafísica, en realidad, y absolutamente ninguno la moral, y que todo lo que fue dicho por Platón y por Cristo podía trasponerse de inmediato a la esfera del arte, y en ella hallar su realización perfecta. Esta era una generalización tan profunda como nueva. No solamente es la íntima revelación que podemos ver entre la personalidad de Cristo y la perfección lo que hace la verdadera diferencia existente entre el arte clásico y el arte romántico en la vida, sino que era la misma que la del artista, la esencia de su naturaleza; vale decir, una intensísima imaginación, ardiente como una llama. Llevo Cristo a la esfera toda de las humanas relaciones, esa imaginación que constituye el secreto de la creación artística. Comprendió el mal del leproso, las tinieblas del ciego, y la miseria cruel de los viven en el placer, y la miseria singular de los opulentos.
El bailarin RAZVAN MAZILU en el espectaculo de teatro-danza “Dorian Gray”, basado en la novela “El retrato de Dorian Gray” de Oscar Wilde, puesto en escena en el teatro ODEON de Bucarest. Fotografia de Mihaela Marin
PINTURA Y ESCULTURA - ESPACIO Y VOLUMEN
El planteamiento de la obra de Niram me llevó a introducir su obra a través de un análisis — somero — del concepto de espacio en la pintura occidental y su traducción a volumen en la escultura de cada periodo. La pintura se ha desarrollado tradicionalmente sobre una superficie plana. Con el paso del tiempo, sin embargo, y siguiendo los datos que la ciencia iba aportando sobre el concepto de espacio, los artistas fueron cambiando su técnica de ejecución y llegaron a crear el efecto de tridimensionalidad sobre superficies bidimensionales. A partir de ahí, los experimentos e innovaciones fueron constantes. Igualmente, la traducción a escultura de las formas de cada etapa planteó sus propios problemas. Poniendo en contacto el pasado y la contemporaneidad se puede analizar cada momento con sus problemas característicos.
«En una línea el mundo se une, con una línea el mundo se divide,
dibujar es hermoso y tremendo». «La escultura debe dar la cara, estar atenta a todo lo que alrededor de ella se mueve y la hace viva» .
La pintura ha acompañado al hombre casi desde sus orígenes. Muy pronto apareció también la tendencia a modelar figuras. Una se caracterizó por un desarrollo en superficie. La otra a través de la materia y el volumen. La superficie pictórica ha sido tradicionalmente plana. No obstante, el desarrollo de la pintura en el tiempo llevó al deseo de superar la planitud del soporte pictórico, muro, pared o lienzo. Del simple efecto bidimensional se pasó al desarrollo técnico de una perspectiva con efecto no solo alto y ancho, sino al logro de una concepción euclídea que nos dejó el «efecto» de un espacio tridimensional casi perfecto. El espacio bidimensional del Pantocrator, de San Clemente de Tahull, aún representado en una mandorla oval o almendra mística, nos deja una figura casi plana, en dos dimensiones. Según unos, con el fin de acentuar el elemento religioso espiritual y evitando para ello todo vestigio de un realismo excesivo que pudiera humanizar demasiado el mensaje religioso que se deseaba transmitir.
Eduardo Chillida, Elogio del horizonte
“LA ÚNICA FUENTE VERDADERA DE ARTE ES NUESTRO CORAZÓN”
CASPAR DAVID FRIEDRICH
LA VOZ INTERIOR (1830)
Pronto se enseñará que concentrar la luz en un punto es absolutamente imprescindible para conseguir un efecto, y que ha de reconocerse a Rembrandt en este asunto como el modelo por excelencia. Pero luego se enseñará a su vez que el verdadero artista debe despreciar tales medios comunes que producen un efecto fulminante. Tan pronto se aconseja utilizar mucha pasta de color, pues si no, la pintura apenas duraría; tan pronto lo contrario: ¡Oh, debe economizarse mucho al aplicar los colores, y también repintar de continuo, pues si no, no podría mantenerse a claridad! También se recomienda que, en la medida de lo posible, se lleve a cabo todo en una sola sesión, para conservar así la claridad, la ligereza y la libertad en el color. Y la pincelada, pues todo repinte posterior estaría ligado, y, con ello, atado, a un repinte anterior. Pero, ¿qué hay que hacer y qué hay que dejar de hacer ante tanto parecer y tantas doctrinas contradictorias? ¡Sigue la voz interior y acepta lo que te dice, y deja para los otros lo que a ellos les parezca justo, pues no todo es para todos!
Bogdan Ater ne ajută împingându-ne de pe marginea lumii într-un hău de necuprins, în care oroarea de a ne descoperi în nuditatea stagnării noastre ia forma unui strigăt mut de disperare. Nu este decât deznadejdea de a ne regăsi în ipostaza de suflete orfane. Departe de căldura maternă a luminii ce ar trebui să sălăşluiască în noi, nu mai simţim decât fluorescenţa mată a tristeţii. Transfigurat în contumacie, spiritul se lasă depăşit de propriul decor de vâscozitate.
Amintirile unei lumi în care odată am fost sau poate vom ajunge să fim cândva, promisiune eshatologică şi platonism luciferic, acestea sunt coordonatele între care psihicul se preumblă asemeni unei fantome neostoite. Bogdan Ater ne pune în situaţia nefericită de a ne recunoaşte mai întâi ca umbre a ceea ce suntem, iar aici rezidă un veritabil scenariu bine pus la punct de artist, prin care reuşim să oglindim în acelaşi timp şi dorinţa de a ne transcende şi frica de a o face cu adevărat vreodată. Dar împlinind acest rol, Ater se ascunde în ingratitudinea puterii mesajului său. Artistul nu este numai cel care ne arată ceea ce trebuie să vedem ci şi însuşi lucrul ce trebuie văzut.
Puterea transformatoare a privirii trebuie îmblânzită, educată, stabilizată. Ater ne cheamă la colectarea acestor năvalnice şuvoaie ale simţirii profunzimilor, la indiguirea lor între malurile binefăcătoare ale raţiunii acestei simţiri. Totul trebuie adunat şi cercetat cu grijă, ordonat şi apoi oferit jertfă luminii (sau privirii simţitoare, căci este sinonimie între strălucirea luminii descoperirilor şi privirea plină de această simţire a Profundului).
Lumea lui Ater este şi lumea noastră, însă lumina apare sporită prin valorizarea întunericului originar. Lumea lui Ater nu va fi şi lumea noastra decât dacă vom consimţi la acest joc al misterului pe care el îl propune: logica e un nor pe cerul inimii, împraştiat de adierea simţirii celui ce îngemănează lumina şi întunericul, Absolutul.
* Articol publicat in revista AGERO
Anul 5768
da, e o veşnicie la mijloc, e păcat să facem o socoteală simplă, din tată în fiu, să
împărţim doar la o medie,
câte vieţi, ce arbore genealogic
cât e de stufos al tău în Noul An,
dar al meu?
ne-ajunge un calcul automat ...mere şi miere
aşa s-au descoperit matricile, probabilităţile, determinanţii
integralelor pacifiste şi curentul alternativ în poezie
să fim mai copţi mai răsfiraţi spre verde
să ne împartim mai bine
pe cele 5 continente
şi să bem gheaţă din Groelanda mică
sau să mâncam stând în buzunarul cangurului
şi sa vorbim în şoaptă
ascultând Hatikva
Exerciţii de deschidere a ochilor
Ficţiunile poetului sunt doar o acoperire
pentru un ochi neformat,
pentru credulele virtuale!
exchibitionistul se laudă că poate avea orice femeie
o pândeşte de după un copac sau virtual
cănd ea a disparut din unghiul de vedere
el se autoamageşte într-un nou experiment atemporal.
goliciunea lui scheletică e evidentă, hilară!
poliţia îl prinde şi-l îmbracă.
rămâne
gustul amar al femeii
nu poate schimba cu nimic
dar cu nimic scena violului!
cu nici o iertare …
aşa cum morţilor nu le poti cere iertare
dacă le-ai pângarit amintirea.
Vulcanul
Sfârşitul lumii e o poveste pentru copii
în fiecare din noi e un sfârşit al lumii
în fiecare fibră, în noi, lava ...
şi-n cele 21 de grame statistice
cât e sufletul nostru
cheia sol, fa sau do ne modulează
precum Bach, muzica cheilor
el divide genialitatea
nu noi pionii de pe o tablă de şah
împotriva curgerii piroclastice
nu ne putem opune
Long Graud se va repeta
degeaba clinometrele ne vor stanţa sugativa
Dali cu Pompeiul său!
Marlena Braester: Oublier en avant / Uitarea dinainte, prezentată de dl. Andrei Fischof, scriitor;
Madeleine Davidsohn: Femeile nopţii, prezentată de dl. Prof. Dr.Andrei Strihan;
Gina Sebastian Alcalay: Inainte de a fi prea târziu, prezentată de dl. Octavian Serban, consilier diplomatic, Ambasada Romaniei la Tel Aviv;
Bianca Marcovici: Impactul virtualului, prezentată de d-na Gina Sebastian Alcalay, scriitoare;
Riri Sylvia Manor: Save as …, prezentată de d-na Gina Sebastian Alcalay, scriitoare;
Yosef Govrin: Relaţiile israelo-române la sfârşitul epocii Ceauşescu – Din însemnările ambasadorului Israelului în Romania, prezentată de dl. Prof. Dr. Raphael Vago.
Mă paralizează minunea!
Oare nu creează, cumva, trandafiria rază un chip?
Ce zeiţă se apropie de mine?
Şi care dintre muze, oare,
Îl caută pe vrednicu-i prieten chiar
şi aici, printre teribilele abisuri?”
W.J. Goethe, Elegiile romane
Cum să nu amintim, în această ordine de idei, şi Partitele lui Bach – un dialog viu, tulburător cu Dumnezeu? Sau exasperarea cu care un Rodin, bunăoară, caută, în fiecare lucrare a sa, să aşeze lumina astfel încât să descopere, în primul rând, cât mai multă viaţă în viaţă, fascinat de un Dante – considerat de Anna Ahmatova „un imposibil de depăşit Învăţător” –, iar apoi, de un Baudelaire care, în opinia autorului Porţii infernului (lucrare la care a trudit douăzeci de ani, pare-se), era un artist care îl întrecuse pe el însuşi în ceea ce priveşte viul descoperit, cântat, descris, multiplicat, vânat, el însuşi rămânând, în opinia lui Rainer Maria Rilke, „unul ce nu se lăsase amăgit de chipuri, ci căuta corpurile în care viaţa e mai plină, mai crudă şi mai fără tihnă”.
Despre Cultura Cucuteni s-a scris mult fiindcă a fost o zonă cercetată intens de arheologii români. Eu vin dintr-un mediu al creaţiei artistice şi la rândul meu am fost fascinată de frumuseţea şi puritatea elementelor decorative ce compun ornamentica veselor cucuteniene.
Forma evoluează şi cunoaşte pe verticala istoriei diferite faze de dezvoltare. În cadrul culturii Cucuteni au existat mai multe centre ceramice din care aş aminti Cetăţuia, Dâmbul Morii, Horodiştea-Folteşti, Truşeşti, Siliştea, Laiu, Târpeşti Târgu-Ocna Podei. În prima fază numită Cucuteni A întâlnim ceramică cu decoruri pictate în culorile alb, roşu, negru1, ceramică ornamentată cu decoruri incizate, dar şi o îmbinare între cele două tehnici de decorare, la care se adaugă, mai rar, ornamentul în relief. Uneori decorul e cruţat din învelişul vasului, alteori este pur şi simplu pictat, vorbindu-se de o pictură negativă şi una pozitivă.
Cercetătorii atunci când se referă la decorul din această primă fază, folosesc termenul „horror vacui”, adică teama de spaţiul liber, teama demonstrată de încărcarea vaselor pe toată suprafaţa cu elemente decorative.
După dimensiunea vasului, se trasau mai multe benzi decorate (registre) începând de la două până la cinci astfel de zone. Uneori aceste benzi se despărţeau prin metope. Motivul decorativ are legătură cu forma vasului, de aceea, fiecare parte componentă a fost desenată cu alt motiv geometrico-meandric, creându-se un ritm pe orizontală şi uneori, pe verticală. Între motivele decorative folosite şi formele vaselor există un echilibru.
Maria Teresa Castro Soromenho Mendonça, nasceu
Com formação em artes visuais, recebeu aulas de pintura no Colégio das Doroteias em Lisboa, ministradas pelo Mestre Domingos Rebelo. Enveredou pela pintura, referenciando-se na obra de Mestre Hilário Teixeira Lopes, da qual sofre forte influência, desenvolvendo a sua investigação pictórica ultimamente no atelier da pintora Maria João Franco.
Representada, exclusivamente pelo Espaço Cultural MAC - Movimento Arte Contemporânea em Lisboa, desde 1996, tem vindo, através daquela Instituição cultural, a realizar dezenas de exposições no país e no estrangeiro, com incidência nos países lusófonos, nomeadamente no Brasil, Cabo Verde e Guiné Bissau, em colaboração com diversos Municípios, Embaixadas e Entidades, das quais se destacam a Sociedade da Lingua Portuguesa, o Centro Cultural da Embaixada de Portugal, na cidade da Praia
Representada em diversas colecções particulares, nacionais e estrangeiras, viu, uma vez mais, o seu mérito reconhecido, sendo agraciada com o Prémio MAC - Revelação 2007 pintura (Troféu executado pelo Professor Escultor João Duarte),pelo conjunto de obras apresentadas ao longo do ano de 2007.
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A Arte é sempre a penetração da nova realidade, a retirada das cortinas do mundo visual e a reflexão do espaço misterioso. Não há Arte sem mistério.
Mas Teresa Mendonça não está de forma alguma ocupada com um estudo da natureza e muito menos tenta dar uma impressão óptica de uma paisagem concreta.
“Absorver-me no espaço natural” diz a artista, “ajuda-me a encontrar um espaço metafísico e alternativo”.
Ao fazer isto, o olhar sensível da artista escolhe de entre a vasta multiplicidade de linha e cores existentes, unicamente aqueles motivos orientadores que a atraem pela sua novidade e lhe suscitam vagas e excitantes associações.
A cor densa da têmpera, enquanto material que veicula a cor, parece emanar, algures de dentro, abrindo caminho através da superfície abstracta da tela branca e exigindo uma estética das relações cromáticas completamente diferente
s, provocando na artista, audaciosas improvisações e fortes impulsos no seu trabalho de concentração, frente ao cavalete no seu atelier, fazendo-a elaborar obras autónomas de grande expressividade e forte intensidade criadora.
O mundo da cor vai assim ganhando forma, coincidindo com o
universo artístico de Teresa Mendonça. Nele as formas do micro e do macro-mundo flúem incessantemente em conjunto e coexistem com os elementos de diferentes dimensões, volumes e planos, nas mais diversas configurações.
Uma tal composição capta inevitavelmente uma parte acidental do infinito.
De um modo semelhante a uma membrana celular, os seus trabalhos permitem-lhe levar a cabo, uma espécie de troca energética com o mundo externo.
Todas as obras deste seu ciclo, são variações do mesmo motivo paisagístico.
O cenário de tal tarefa está ligado a uma tentativa de encontrar todas as soluções possíveis para pintar uma única ideia textual através do enriquecimento da gama de associações com ecos do passado e do presente.
Nestes seus quadros o elemento de abstracção é claramente intensificado.
Teresa Mendonça, alcança os mais variados e inesperados efeitos utilizando um arsenal de meios pictóricos.
Por vezes a artista domina a massa de cores; outras vezes, é ela quem se submete à sua fúria tempestuosa.
A multiplicidade dos modos como Teresa Mendonça concebe os seus quadros, oferece-nos o testemunho da luta da artista com a tela.
Uma reincarnação mágica, parece ter lugar mesmo perante os olhos dos espectadores.
É desta capacidade de sofrer fantásticas transformações, que a massa de cores está dotada, na sua subordinação à vontade duma criadora que se chama Teresa Mendonça e cujas obras são particularmente atraentes e inimitáveis.
Lisboa 2008
Dr. Álvaro Lobato de Faria
Director Coordenador do MAC
Movimento Arte Contemporânea
É com toda a certeza o fascínio do desconhecido, de todos quantos se ocultam para melhor se afirmarem por detrás duma barreira de sombra que os remete para a demonstração do mistério que assumem.
Uns e os Outros é o quotidiano feito excepção, para o que se procuram os meios técnicos necessários, mesmo se eles são complexos, exigentes e demorados; mesmo se, para melhor evidenciar as características dos retratados, se utilizam certos arcaísmos pictóricos remetidos agora para uma situação de actualidade intemporal.
Uns e os Outros é um longo percurso amarrado à forma humana, amarrado a alguns e a outros, buscando sempre expressar personalidades e estados de espírito, dizendo o que são os que nunca saberemos quem são.
E depois é a ruptura temática e, consequentemente, formal e técnica. A série que agora se inicia trata a Paisagem do Ninguém, esse espaço muitas vezes construído, que se situa entre o ali e o acolá, sem referente preciso.
Espaços de desconstrução, a representação assume fracturas nas formas e nas superfícies que vão do branco ao negro, mudanças repentinas, contrastes intensos, situações inesperadas. Não se vislumbra viva-alma. Estão vazios estes espaços. São Paisagens do Ninguém.
Porfírio Alves Pires
caem as folhas
falta de concorrência, ninguém
tem a palma estendida
luzes e sombras, o século
as bétulas vigiando o pôr-do-sol.
caem folhas, caem homens
de repente vê-los partindo
e só tu te quedas atrás
oh, só o instante presente
bate na nossa porta:
abro?
grito?
o guardiã já chegou
serás tu a carroça que puxará os instantes?
só a pálpebra se fecha bruscamente.
a infinita dor confessa-se.
Trad. de L.H.
Nicole Blanco
António Dulcídio da Silva Pinto Coelho, nasceu na Cidade da Lixa, Felgueiras em 1959. É o autor e administrador da galeriaaberta.com, um dos poucos sites em Portugal dedicados exclusivamente à arte e logrando ser um verdadeiro ponto de encontro para os pintores e os amantes da arte. A sua obra pictórica mostra um bom domínio técnico e uma surpreendente melancolia das cores. A cor converte-se pelo seu pincel num universo longínquo, onde as memorias dos tempos perdidos, em tonos escuros, intercalam-se com a alegria do amarelo para trazer consigo a promessa de uma possível ressurreição artística.
Como dizia Clarisse Antunes: "Dulcídio, profundamente influenciado pelo Rio Douro e pelas gentes ribeirinhas, fez com que, alguns destes cenários e acontecimentos marcassem a sua sensibilidade pela Arte. Autodidacta, percorrendo um longo caminho, descobrindo à sua custa tudo o que um curso superior lhe poderia dar; Dulcídio pinta o que vê e sonha com o que pinta, transportando os seus ideais de cor e fantasia para a tela. Mostra-nos um conjunto de formas surrealistas e nesta ordem de ideias poderei arriscar dizendo, que a obra do artista não escapa a ser testemunha do tempo. O artista procura transmitir a cor do momento através de uma obra inventiva e de grandiosidade surrealista”.
MOMENTOS PINTADOS : ANTÓNIO DULCÍDIO